CINE MEXICANO EN LOS AÑOS 50

En 1950 México aparece como un país en su máximo esplendor hablando de cultura cinematográfica, posterior a esto se ve la trascendencia que México tiene, de tener un aspecto rural, romántico a pasar al cine a la cultura urbana.

En 1950 sale el film "Primero soy mexicano", escrita y dirigida por Joaquín Pardavé, basada en la obra de Florencio Sánchez, M'hijo el dotor (1903), teniendo como protagonistas a Joaquín Pardavé, Luis Aguilar y Flor Silvestre.

                                       https://en.wikipedia.org/wiki/Primero_soy_mexicano


En esta película se ve como a la revolución hecha, siendo un clásico.
En esta época se construyen varios tipos de mujer, entre ellas esta la sumisa que siempre se encuentra en casa, existe la mujer revolucionaria asemejada a María Felix, la mujer seductora, y la mujer que es triste, que en todo momento empieza a quejarse y martirizarse
México tiene mucha relevancia en el cine Espano-Americano, en los años 50 considerándola la época de oro, al principio se concentran temas rurales para posterior ver lo urbano en las compensaciones cinematográficas.


Para esta película se observa que la cámara ya sigue al actor, y se muestra a el como se encuentra en la esperanza, a pesar de la crisis económica en la que se encuentra el personaje, se encuentra el dramatismo característico de México, teniendo como relevancia al amor como forma de rescate ante la pobreza. Un icono importante en esta época es Pedro Infante.
El tema de la ciudad se pone de moda gracias al film "Los olvidados"de Luis Buñuel, cineasta español exiliado de la guerra civil, modernador de la ciudad mexicana, a diferencia de los film en los que esta Pedro Infante en los que se muestra como distracción, y esto ya que el país esta y sus compañías cinematográficas tienen un acuerdo con PRI para hacer este tipo de historias y convencer al pueblo que es bueno ser pobre, y que la vida puede solucionarse con amor y canciones.
En esta película se encuentra solo amargura, tristeza, se proyecta la otra cara de la modernidad, aquella que descara al México de esa época,

El cine sirve para compartir sentimientos, valores, estética, esto es propaganda sin embargo Buñuel es uno de los personajes que no esta aliado a esto y por esa razón desenmascara al país, sin embargo no anuncian su película y es por ello que la vende en Europa de esa forma haciendo que México ya no pueda hacer nada para mejorar esto.

http://www.imdb.com/title/tt0042804/

Este film tiene un toque italiano y esto se puede notar por las tomas en la calle que se muestran. Es la tercera película mas contemporánea de la época.

En el cine mexicano podemos encontrar siempre historias en el centro de la ciudad de México.

Amores Perros

https://ghostwritersofi.wordpress.com/peliculas/amores-perros/

En esta película podemos encontrar la ironía  por la temática que se aborda, se encuentra una complejidad moderna en la ciudad de México.

En general se puede ver como el cine pasa de lo rural al urbano, trayendo con esto d¿el descontrol, y el caos. Esto muestra interesante al país ya que es muy drástico este cambio.

En 1960 encontramos ya los programas de televisión ya para los años 60-70 vemos a los polivoces programa con personajes urbanos, teniendo varias aventuras y posteriormente películas.

http://miafm.mx/?p=575

Viruta y Capulina también tienen un lugar importante en esta época, y es así como el cine mexicano empieza a tener unión con la comedia.

EL CHAVO DEL OCHO

https://en.wikipedia.org/wiki/El_Chavo_del_Ocho

Aqui podemos observar  a un personaje que no tiene familia y parte de la rama que sale de tintan y cantinflas, un adulto que juega a ser niño, esto lo vemos a su vez con Chabelo.
La historia equivale a un niño que no tiene familia y vive en una vecinda siendo amigo de niños que representan las diferentes clases sociales, en este no se muestra discriminación y pretende a su vez igual que las películas llevar un mensaje subliminal de converncer a las personas que esta bien su posición social.
Presenta gran similitud con memin pinguin.
MEMIN PINGUIN
Comic en el cual se muestra una simpatía por el pobre, pretendiendo así difundir los valores urbanos y llegar a crear la simpatía por el negro

Tambien llega el comic mediante el collage, para esto viene Rius quien en su época fue una propuesta muy interesante, difundiendo conocimientos y puntos de vista.

LAS CARICATURAS DEL FINANCIERO
Las caricaturas del financiero se muestran muy relevantes, ya que se burlan de la política por medio de la risa.
tenemos grandes ejemplos como:
Alarcon
Garci
Trino
En general las caricaturas de los periódicos muestran mucha relevancia en el ámbito de comedia basándose en la política.
Otros periodicos similares a este son:
Universal
Jornada
Todos estos muestran malestar mediante la risa, tienen una larga tradición que sale por los linates que marca su mayor expresión
México pese a toda su tragedia siempre lo expresa mediante su comedia.

http://www.elfinanciero.com.mx/pages/trino-fabulas-de-policias-y-ladrones.html


http://www.elfinanciero.com.mx/pages/cartones-la-morralla-de-alarcon.html


http://www.elfinanciero.com.mx/pages/cartones-antonio-garci.html



                   

OFICIOS LINAT

En esta imagen podemos observar a un carnicero de la época de Linati y a uno actual, se puede notar la diferencia del que antes se tenía que transportar a caballo y ahora la persona se queda en un establecimiento guardando su carne en un refrigerador. 

Aquí vemos a un tortillero lo interesante de aquí es que ya existe más tecnología que ayuda bastante a la realización de las tortillas, a su vez podemos ver que no ya sólo son las mujeres las que hacen este tipo de labores.

En esta imagen se puede representar a un panadero, al igual en la actualidad aun hay personas que lo venden con canastos, pero a su vez hay personas que están en establecimientos preparándolos y de esa forma no salir de ahí. 

En primer lugar se ve la diferencia del envase en el cual las personas llevan agua, y en segundo se puede observar que las mujeres ya pueden hacer este tipo de labores, y que es algo muy normal ( la persona de la imagen es mi hermana).

Aquí podemos ver a una persona vendiendo dulces, si hay mucha semejanza, sin embargo, puede notarse el cambio de género en la sociedad en el aspecto de trabajos. 

Una vez vemos que la tecnología ayuda bastante y es así como cambia drásticamente la forma de transportar a las personas. 

CLAUDIO LINATI

https://es.wikipedia.org/wiki/Claudio_Linati

Claudio Linati (1 de febrero de 1790 – 11 de diciembre de 1832) fue un pintor y litógrafo italiano, pupilo de Jacques-Louis David en París. Estableció la primera prensa litográfica en México. Fue co-fundador y editor de El Iris, periódico que publicó las primeras historietas políticas en México, y estuvo forzado para dejar el país a causa de su activismo político. Linati también estuvo implicado en causas revolucionarias en Italia y España. Es conocido por su libro coloreado a mano en el que ilustra trajes de diferentes de personas en México.

Linati fue comisionado para explorar la costa de México y encontrar un punto anclaje para los barcos y máquinas de compañías mineras. Llegó a Alvarado, Veracruz el 6 de marzo de 1825.8 Este fue el año en qué la última fortaleza española se rindió en San Juan de Ulúa.10 El 22 de septiembre de 1825 Linati se mudó a Veracruz, Veracruz para estudiar litografía. En 1826 se mudó a la Ciudad de México, donde el gobierno le asistió para la apertura un taller de litografía. Linati y Gaspar Franchini instalaron la primera máquina litográfica que llegó a México en febrero de 1826. Franchini Murió mientras la máquina estaba siendo instalada.

Linati había llegado a México para observar un país recién independizado y para "civilizar" y politizar a su sociedad.

INVESTIGACIÓN DE LITOGRAFÍA Y CULTURA DE CASTAS (TAREA)

La litografía es una técnica de impresión en plano (planografía) descubierta por el alemán Alois Senefelder en 1796 cuando buscaba un método sencillo y barato para hacer muchas copias de sus trabajos.

La litografía consiste en dibujar con un lápiz graso sobre una plancha de piedra caliza (porosa). Se humedece la plancha y se entinta con una tinta grasa; así, la tinta se queda sólo allí donde hay dibujo, debido a que la grasa atrae a la grasa y el agua la repele. Después se presiona sobre un papel con esa plancha se reproduce el dibujo con gran calidad. Este proceso de entintado-impresión se puede repetir muchas veces antes de que pierda definición.

Una plancha bien realizada y utilizada puede dar bastante servicio antes de agotarse. Entonces se puede eliminar bien el dibujo, pulir de nuevo un poco y volverla a usar en otro grabado. Obviamente el bajo coste de las planchas y su fácil reciclado es una de las razones de la gran popularidad de la litografía.

Desde su nacimiento, la litografía tuvo un intenso desarrollo uso artístico y comercial. Tras su descubrimiento y hasta la aparición de un derivado suyo (la litografía offset), fue la reina de la impresión comercial, ya que se desarrollaron máquinas capaces de imprimir grandes tiradas en diversos colores.

Grandes artistas como Toulouse-Lautrec crearon mediante litografía obras de arte e impresos de todo tipo.

URL de información obtenida:

http://www.fotonostra.com/glosario/litografia.htm

http://www.jaberni-coleccionismo-vitolas.com/1A.4.2-Fundamentos%20de%20la%20Litografia.htm
Piedra empleada para litografía. (Motivo: fachada de la Universidad de Princeton).

LA PINTURA DE CASTAS 

A principios del siglo XVIII apareció en el arte la "pintura de castas", imágenes plásticas que representan a la gente de acuerdo a una clasificación racial de las personas mezcladas. Estas pinturas son muy interesantes porque reflejan la vida de la sociedad novohispana del siglo XVIII. Muestran las actividades a las que se dedicaban, la ropa que usaban y el lugar donde vivían.

A las personas que racialmente fueron el producto de mezclas de distintas etnias se les denominó "castas". Este heterogéneo grupo tuvo el mismo problema social que los mestizos. Si no se les podía ubicar claramente dentro de algún grupo racial, eran negados y discriminados por unos y otros. Las castas muestran la complicada estructura social que se formó en la Nueva España.

Algunas de ellas son:

De español con india - mestizo

De mestizo con india - coyote

De negro con española - mulato

De mulato con española- morisco

De español con morisca - albino

De español con albina - negro-torna-atrás

De negro con india - lobo

De lobo con india - sambaiga

De sambaigo con india - albarazado

De indio con albarazada - chamizo

De chamizo con india - cambuja

De indio con cambuja - lobo-torna-atrás

De lobo-torna-atrás con india - tente en el aire

De albarrado con india - cachimboreta

INFORMACIÓN OBTENIDA DE:http://ccat.sas.upenn.edu/romance/spanish/219/08ilustracion/27castas.html

Mestizo, Mestiza, Mestiza. Ejemplar de una pintura de castas del Perú demostrando una pareja de una misma casta. Museo Nacional de Antropología (Madrid).

https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas

Una avenida es más que una avenida

Es fundamental no perder en nuestra memoria la historia de nuestro país, es muy importante tenerlo en la mente para llevarlo al diseño actual, hacer característicos los trabajos mexicanos como propios, que lleven un significado, un sentido, y a su vez una función.
Queremos decir con esto que detrás de una propuesta de diseño, es importante saber que atrás de todo esto tenemos la cultura, y es relevante siempre darle la importancia ya que es y será la base para el diseño.

A mediados del s. XlX la Ciudad de México terminaba en la Alameda, los objetos del diseño llevan mucha historia de peso, En esa epoca su punto de referencia era el punto al oriente

http://www.cervantesvirtual.com/portales/juan_ruiz_de_alarcon/imagenes_espacios/imagen/imagenes_espacios_19-plano_ciudad_de_mexico_en_1628/
Plano de Juan Gómez de Trasmonte

La Alameda es el primer parque publico en México.

En 1854 Casimiro Castro visita en globo la Ciudad de México, el norte se puede localizar a la esquina interior izquierda (figura 1)

https://es.pinterest.com/a99999/cd-de-mexico/

(figura 1)

Ultimo plano que se da a Maximiliano de Habsburgo en 1864. El norte se encuentra arriba

http://www.mexicomaxico.org/Viga/images/MexicoMapaTitoRosas1869Zanja%20CuadradaGaritas2.jpg

El ingeniero Salvador Malo crea este plano, y es rechazo por los políticos, haciendo lo que ellos quisieron.

http://books.openedition.org/cemca/docannexe/image/4077/img-15-small517.jpg

En 1883 Reforma no tiene camellon, pero sin embargo se ve una diferencia en el terreno, este se muestra plano, ya ase puede ver el Castillo de Chapultepec con luz de gas, Para el paseo de la Reforma se requirieron dos héroes en bronce de cada estado para que formaran parte del paseo.

Siendo la avenida más importante, llamado en un principio Paseo de la Emperatriz o del Emperador, ya que su trazo fue encargado por Maximiliano de México durante el Segundo Imperio Mexicano. Después del triunfo del gobierno de Benito Juárez sobre este ultimo y la restauración del gobierno republicano fue renombrado como Paseo Degollado en honor a Santos Degollado. A la muerte de Juárez el gobierno de Sebastían Lerdo de Tejada consolido su actual nombre en honor al proceso conocido como Reforma.

Poco a poco la Ciudad de México va teniendo una forma más moderna, presentando rascacielos, y más piezas de la arquitectura contemporánea.

Hace dos años se quita el caballito y es sustituido con una pieza de arte moderno. Cayendo en el mismo circulo de aparentar lo que no se es, se perdió el diseño con cultura del país, y es sustituido por diseños extranjeros. El caballito se encontraba en el centro de Zocalo con mucha anterioridad, se tenia planeado usarla para crearla balas y usarlas contra españoles, sin embargo esta idea fue rechazada, ya que se recordó que era una pieza de la integración del arte y del diseño sumamente perfecta.

Escandon siendo el creador del primer ferrocarril en la ciudad de México, es también el que trae a México la figura de Crsitobal Colon, diciendo con esto que su unión directa entre este y el ferrocarril, es que ambos son capaces de separar las fronteras y volverlas un mismo territorio. Creado en la decada de los años 70 del s. xlx, el monumento a Cristóbal Colón fue inaugurado en 1877, dos años después de haber llegado a México por el puerto de Veracruz, basado en el boceto del escultor Manuel Vilar, quien inicio el proyecto a iniciativa de MAximiliano, creado por Charles Cordier, en Francia.  Tiempo después siendo tapado por daños que se le fueron causados por los mismos ciudadanos, pintandolo de color rojo en el pecho.

http://www.excelsior.com.mx/comunidad/2015/01/06/1001034


el monumento de la independencia, conocido popularmente como El Ángel de la Independencia, se encuentra en la Ciudad de México, en la glorieta localizada en la influencia del Paseo de la Reforma, rio Tiber y Florencia. Inaugurado en 1910 para conmemorar el Centenario de la Independencia de México por el entonces presidente de México, Porfirío Díaz, monumento relevante para el país actualmente usado como icono cultural, para manifestaciones y celebraciones. 


https://es.wikipedia.org/wiki/Monumento_a_la_Independencia

No hay diseño sin cultura, es relevante siempre tenerlo en claro para no perder el objetivo de los mismos.

DISEÑO MEXICANO DEL S. XX

DISEÑO MEXICANO DEL SIGLO XX
Pintura
La pintura ofrece la lectura de la época, en el s.XlX es la mayor representación de cultura. siendo toda una identidad para México y su pasado.
En el s. xx la fotografía específicamente de 1900 a 1950 es sumamente impresionante e importante en el país,
Algunos fotógrafos mexicanos reconocidos son:
Pedro Meyer
Emmanuel Lubexki
Andra Dicastro
Siendo el siglo xx, el siglo de la fotografía.
A pesar del tiempo la pintura siempre representara las costumbres del país y de la época en la que se pinta.
Marius De Zallas Cartista, escritor, galerista y mecenas mexicano)

Julio Ruelas (artista e illustrador mexicano) es el mismo tiempo de José María Posada (no académico),
German Gedovius (notable artista de la vanguardia mexicana de finales del XIX. Realizó estudios en la Academia de Bellas Artes de Múnich y en la Academia de San Carlos, México, donde fue alumno de Salomé Pina y Rafael Flores). (Secretario del presidente Porfirío Díaz, poeta)
En el siglo xx se le permite la clase a las mujeres en la academia, ellas no podían tomar clases de anatomía.
Saturnino Herrán (pintor mexicano de la fase denominada indigenismo.)


El cine, el Radio y la TV




http://museoblaisten.com/Obra/2599/Naturaleza-muerta-con-alcatraces

Rufino Tamayo

Naturaleza muerta con alcatraces, 1924

Oleo / tela
39.1 x 40 cm

José Luis Cuevas

Autorretrato, ca. 1970

Grabado en metal
28×20.8

José Luis Cuevas

Autorretrato, ca. 1970

Grabado en metal
28×20.8

ARTE ABSTRACTO

-Mathias Goeritz icono del arte humano LAS TORRES DE SATÉLITE,  ESCULTURA EN EL CERRO DE LA SILLA

http://fomentoculturalbanamex.org/goeritz/exposicion/

Mathias Goeritz

Estrella, ca. 1970
Bronce
17 x 15 x 10 cm

-Günther Gerzso

http://cuadrotv.com/zona-de-riesgo-carlos-aguirre/

El Museo de Arte Moderno exhibe la exposición “Zona de Riesgo de Carlos Aguirre”, la exposición es una retrospectiva de su trabajo en la cual se exhiben 110 piezas entre ellas podemos encontrar pintura, animación, cajas de luz e Instalaciones.

PINTURA A FINALES DEL S.XlX Y COMIENZOS DEL S. XX

Con la Escuela Nacional de Bellas Artes se pinta al indio de una forma contraria al pasado ya no se ve como el esclavo, y el héroe caído que se estipulaba, se levanta la pintura representando momentos importantes del país, o bien se retrata al poder, sus discursos y personajes.

El pintor Felipe Santiago Gutierrez es considerado el pintor que cierra el siglo XlX.

Otras formas de pintar se gestaba al interior de la Academia. Expresaba a veces tendencias mas realistas, o bien decorativas, espontaneas, o más individualistas, que convergieron en la irrupción del Modernismo (1890-1920)

Jose María Jara pinta el cuadro llamado velorio en el cual podemos ver las vivencias cotidianas de los indios. 30 años después Garduño pinta el cuadro de un indio donde vemos surgir de nuevo este tema. Diego rivera muestra al indio de forma heroica en el mural llamado nacimiento de la conciencia  de clase.

Pintura el Velorio 

Autor José María Jara 

Año de realización 1890

https://tahitiandana.wordpress.com/2013/09/02/el-velorio-de-jose-maria-jara/

Se le considera la primera pintura del modernismo, ya no se pintan fantasías de la historia con falsos estereotipos, se comienza a representar lo que verdaderamente pasa.  

Escultores mexicanos, estudiantes de Francia traen la tendencia de las escuelturas de mujeres, mostrando un aspecto sensual y muy innovador que cautivo a México. 

Auguste Rodin el escultor mas importante de Francia  

Es así como se logran liberar formas de expresión con el cuerpo humano, Méxcio se llena de poetas líricos, metafóricos, cargados de imágenes. 

Gutierraz Najera poeta destcado, Ruben Dario logra inaugurar literatura en México, y el poeta mas importante de este tiempo en la sección modernista es Ramón López Velarde. 

Cien años después de la revista Iris, México logra deleitarse de gran variedad de revistas y todo articulo de impresión. 

Ya para 1930, el país tiene un impacto en tanto al diseño gráfico, ya que con la impresora existe enorme variedad de este tipo. Impulsándose de la poesía logra desbordarse algo impresionante.

Felix Bernardelli fue un pintor Brasileño, que se convirtió en maestro del país Mexicano, desbordando en sus alumnos hermosas e impresionantes tecnicas, que llevaron a sus alumnos a crear impresionantes obras.   

Pintores modernistas mexicanos:

Ernesto Julio Ruelas

German Gedovius

Zárraga

Saturnino Herrán ( Iniciador de la escuela de pintura)

Diego Rivera

Marius Desayas (Exiliado en Estados Unudos)

El siglo XIX será para el arte valenciano un periodo de fecunda producción por estar repleto de personalidades de primera magnitud que encontrarán eco en el panorama plástico del momento, calificado como “el nuevo siglo de oro de la pintura valenciana“.

http://www.cult.gva.es/mbav/data/es0304.htm

Museo de Bellas Artes de Valencia. Sala Ignacio Pinazo.

Ese conjunto de artistas, con su peculiar forma de pintar, constituirán una escuela coherente y bien definida, que contribuye decisivamente a la renovación de las artes pictóricas españolas decimonónicas. Su principal aportación estriba en la captación instantánea y lumínica de las cosas, desarrollando para ello una peculiar técnica de pequeñas pinceladas individualizadas y manchas de color, unidas a una ejecución rápida, que en algunos casos parece tener como resultado un aspecto abocetado o inconcluso. Esta apariencia visual ha motivado que popularmente se les conozca como “escuela impresionista valenciana“, expresión quizá incorrecta, por ser en realidad ajena a los planteamiento filosófico de la pintura impresionista. Su principal preocupación es captar efectos lumínicos, de ahí que resulte más correcto llamarlos pintores luministas, plenairistas o instantistas.
Una dominante en todos ellos es que cuentan con una trayectoria profesional común. Se forman en la conservadora Academia de San Carlos, en Valencia, para posteriormente disfrutar de una pensión de la Diputación en Roma o París, en donde no sólo amplían estudios, sino que contactan con las corrientes artísticas europeas del momento, provocando en ellos un cambio sustancial en su manera de hacer. Finalmente coincidirán en los certámenes de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, obteniendo los primeros premios que los catapultan a la fama y al reconocimiento por parte de la sociedad madrileña, pero sin desvincularse de su tierra natal.
Por lo que respecta a la técnica y la temática ocurre exactamente lo mismo. Casi todos utilizarán el gran lienzo para concurrir a los concursos, pero es en los pequeños formatos donde consiguen los mejores logros de inmediatez luminosa a partir de una arrebatadora factura de manchas de color. Por otra parte, la temática de estas pinturas se diversifica muchísimo, pero en líneas generales responde al deseo de satisfacer la demanda de una clientela burguesa ajena a cualquier experimento o audacia compositiva. Entre los temas más cultivados destacan: la pintura de historia, obligatoria en los concursos nacionales; el elegante y refinado retrato; el paisaje como protagonista absoluto; la pintura de costumbres, que convertirá lo cotidiano y popular en motivo artístico; y finalmente la pintura religiosa, que desde su claro declive encuentra ahora un nuevo enfoque costumbrista combinado con el sentimiento religioso.
Los fondos de estos artistas que posee el Museo de Bellas Artes de Valencia corresponden, precisamente, a los trabajos de clase, siendo estos los menos espontáneos por estar sujetos a las condicionantes normas académicas; las pinturas como pensionados, en los que, si bien aun se aprecia el lastre de su formación, ya se apuntan las influencias que ejercen las corrientes europeas sobre ellos; y finalmente, las obras de su etapa madura, pudiéndose de este modo seguir la trayectoria pictórica de los artistas valencianos en el tránsito de los siglos XIX y XX.
Esta escuela se asienta en la obra de cuatro artistas señeros: Francisco Domingo Marqués, Ignacio Pinazo Camarlench, José Benlliure Gil y Joaquín Sorolla Bastida.

Francisco Domingo Marqués.
Un lance del siglo XVII
Lienzo, mediados del siglo XIX.

 

http://www.cult.gva.es/mbav/data/es06031.htm

Francisco Domingo Marqués es el iniciador de las audacias técnicas en la pintura decimonónica valenciana. De los cuadros que posee el Museo destacan aquellos de temática histórica como El Beato Juan de Ribera en la expulsión de los moriscos o los meramente anecdóticos como Lance en el siglo XVII, escena de mosqueteros que junto con las de tabernas y andaluzas de esquemas fáciles le granjearon el éxito. En los retratos reduce la paleta cromática y consigue unos matices de clara filiación goyesca visibles en el Retrato de Manuel Ruiz Zorrilla y en el Retrato de Carmen Cervera. Posiblemente sea su pintura religiosa la que mayor gloria le ha dado con obras de primer orden como Santa Clara y San Mariano, en las que se aprecia la necesidad que tiene el artista de beber de las fuentes barrocas de Ribera y Velázquez para transmitir la piedad en el siglo XIX.

 

Francisco Domingo Marqués.
Santa Clara.
Lienzo, 1869.

https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Francisco_Domingo_Marques_Santa_Clara.jpg

Ignacio Pinazo Camarlench es posiblemente el más atrevido de todos, pues a través de sabias y oportunas manchas de color supo transferir a sus obras un aire inacabado, basado en la sugerencia, como se ve en el retrato de su hijo vestido de Monaguillo tocando la zambomba. Pero en realidad ese espíritu de libre pincelada lo que pretende es reflejar una constante en la pintura valenciana decimonónica como es la luz, así realizará cuadros como Interior de alquería valenciana, de la que llama poderosamente la atención el efecto lumínico del sol filtrándose por el jardín de la casa e inundando toda la estancia. Por otra parte destacan sus retratos en los que gusta ensuciar el color, empastar las formas y dejar como inconclusas sus obras, si bien es capaz, mejor que nadie, de reflejar la psicología del personaje, como acontece con el Retrato del Conde Guaki; pero no siempre tendrá ese resultado como se aprecia en el refinado Retrato de Teresa Martínez, esposa del pintor, o en su Autorretrato. Por otra parte, y muy significativos en su producción, son las pinturas de niños, como El guardavía, en el que refleja a un niño metido en el papel de jefe de estación ferroviaria. De las obras que el Museo expone actualmente llama la atención sus cuadritos de pequeño formato, pues es en ellos donde el artista deja sus mejores lecciones de pintura, como en Clase de dibujo, en el que consigue encuadrar una gran escena en un parco espacio pictórico; Figura femenina sentada, en la que rehusa el bocetismo para recrearse más en el detalle; o en cuadritos de género, como Rosa, en el que una simple flor es capaz de conmover por su suelto tratamiento pictórico, colorido y efectos lumínicos sobre los pétalos.

Joaquín Sorolla.
Retrato de D. Amalio Gimeno.
Lienzo, 1919.

La temática más usual en Sorolla son las escenas marineras y costumbristas, de las que el Museo cuenta con escasa representación, al margen de dos pequeñas marinas del Puerto de Valencia y Playa de Valencia. Pescadoras, en las juega con unas sugestivas luces y sombras que contribuyen a hacer honor a la fama del pintor; respecto al otro tema, el de escenas costumbristas, destaca la obra en la que nos muestra a sus dos hijas configurando una Grupa valenciana, en la que consigue mayores audacias en el tratamiento del color. Por otra parte también hay obras de temática menos conocida, como la producción religiosa en La Virgen María, o las escenas bucólicas como La bacante, con la que se suma a los gustos orientalistas.

https://www.wikiart.org/es/joaquin-sorolla/puerto-de-valencia-1882

Joaquín Sorolla.
Puerto de Valencia.
Lienzo, hacia 1882.

http://www.españaescultura.es/es/obras_de_excelencia/museo_de_bellas_artes_de_valencia/grupa_valenciana.html

Joaquín Sorolla.
Grupa valenciana.
Lienzo, 1906.

 

Mención especial requiere el pintor Antonio Muñoz Degrain, del que el Museo conserva una nutrida muestra de su obra donada por él mismo. Injustamente valorado hasta fechas recientes por la crítica, su pintura responde a un temperamento e inquietud, que se refleja en las ambiciones plásticas y expresivas, fruto de una visión personal surgida de sus constantes viajes y su sentido romántico de la vida. Esa óptica visual le permitirá interpretar los temas históricos y literarios como una gran escena teatral, los paisajes como una naturaleza desbocada e infinita, y los sucesos reales como una fantasía irreal. Dentro de su producción hay que destacar un pequeño cuadrito de juventud, de corte académico, con el tema costumbrista de una Lavandera. Alrededores de Valencia, en el que con una visión en picado consigue una amplitud de campo que preconiza su futuro arte. Posteriormente se iniciará en la pintura de historia, que tanta fama le otorgó en las exposiciones de bellas artes, y que está representada por bocetos de pequeño formato como Otelo y Desdémona; para, posteriormente, dedicarse a sus temas favoritos: la pintura paisajística de amplio espectro como Desfiladero de los Gaitanes; la de temática oriental, fruto de sus constantes viajes a Extremo Oriente, en La gruta de los profetas; los paisajes calmados, llenos de melancolía, romanticismo y simbolismo reflejados en Estanque, hojas caídas y cisnes, o aquellos otros en los que prima el drama, como en Amor de madre; y la religiosa de Jesús en el lago Tiberiades, que es más una excusa para su visión paisajística y lumínica de la pintura, que para transmitir un sentimiento espiritual. Fue un artista que abordó un gran abanico de temas en los que prima sobre todas las cosas su visión personal.

Antonio Muñoz Degraín.
Amor de madre.
Lienzo, 1912 – 1913.

http://www.cult.gva.es/mbav/data/es06087.htm

 

Pero el panorama valenciano del siglo XIX va más allá de estos pintores, y se adentrará en el siglo XX sin grandes cambios, amparándose, la mayoría de las veces, en el prestigio y estela de los maestros anteriormente citados, manteniéndose ausentes de las transformaciones acaecidas en la pintura contemporánea española. En esta línea están representados Salvador Martínez Cubells con un cuadro de historia titulado La vuelta del torneo, o el gran lienzo de Enrique Martínez Cubells, que lleva por lema Trabajo descanso, familia; además de Joaquín Agrasot, cuyo atrevimiento le indujo a pintar un boceto de Desnudo de mujer, que le serviría para su Baco joven, en una época en la que predominaban las academias masculinas; o Emilio Sala Francés, que si bien en obras como el introspectivo Retrato de Doña Ana Colin y Perinat pone en evidencia su admiración por lo velazqueño, será en su Florista o en el Retrato de joven donde haga alarde del dominio del color y la factura rápida característica de la escuela valenciana, aunque bien atento a la norma.